Teatro de Vanguardia

Estilo teatral que surge paralelamente a la anti-novela o nueva novela. Surge en Francia alrededor de 1964, se caracteriza por la negación de las formas establecidas y por la búsqueda de un nuevo y original lenguaje escénico. Procede de las tendencias innovadoras en el teatro desde inicios del siglo XX, uno de los primeros exponentes de este movimiento fue la obra Ubú  Rey de Alfred  Jarry (1896) así como la enorme influencia de Antonin Artaud (1896-1948) con su libro “El teatro y su doble”.

En la nueva novela, no se puede hablar de la escuela o de movimiento, sino más bien de analogía entre varios autores en orden a la problemática teatral, tanto en su aspecto técnico como de contenido. De esto se deriva que toda etiqueta sea demasiado estrecha para englobar escritores que proceden de distintos horizontes literarios, ideológicos y geográficos (los más importantes autores vanguardistas han nacido fuera de Francia, pero toda su producción se hace en francés y sobre todo pensando en París) y que únicamente tienen en común un determinado número de premisas.

Teatro de la Crueldad

El teatro de la crueldad nace de ideas concebidas por el poeta Antonin Artaud. El escritor en su obra   “El teatro y su doble” crea la esencia del ahora conocido el teatro de la crueldad, noción que ha influido en la historia del teatro mundial. Por la influencia de su obra y sus ideas dramáticas ha sido considerado como “el padre del teatro moderno”.

“El teatro de la crueldad ha sido creado por restablecer en el teatro una concepción de la vida apasionada y convulsiva, en este sentido de rigor violento y condensación extrema de elementos escénicos que debe entenderse la crueldad en la cual están basados. Esta crueldad, que será sangrienta en el momento necesario, pero no de manera sistemática, puede ser identificada con una especie de pureza moral severa que no teme pagar a la vida el precio que sea necesario”

Antonin Artaud

The Theatre of Cruelty, in The Theory of the Modern Stage.

Artaud pensaba que el teatro tenía que ocasionar un gran impacto en la audiencia, por lo que utilizaba una gran mezcla de luces, sonidos perturbantes y extrañas ejecuciones.

El novelista expreso en varias ocasiones su admiración por el teatro oriental, en específico, por el Balinés. Admiraba tanto el teatro oriental por sus características tan precisas, codificadas y sumamente ritualizado de la danza balinés, y para el esto promovía lo que él llamaba “Teatro de la Crueldad”. Antonin no se refería a una violenta determinación física para destrozar la falsa realidad. Artaud consideraba que el texto había sido un tirano del significado, y aboga en cambio por el teatro hecho de n lenguaje único, un punto medio entre los pensamientos y los gestos. El escritor describía lo espiritual en términos físicos, y creía que en toda expresión,  es una expresión física en el espacio.

Teatro de la Edad Contemporánea

A comienzos del siglo XX se conocía la realidad falsa a través de obras realistas, sin embargo, en el teatro Europeo venía surgiendo un nuevo estilo que se oponía completamente a esta corriente.
En este teatro convencional los expectadores aceptaban la realidad ficticia del escenario sintiéndose identificados, entendían los diálogos claramente y los problemas presentados eran temas parecidos a la vida cotidiana. No había ningún tipo de ruptura entre la obra y los convencionalismos sociales.
es entonces que surgen idea propositivas a integrar un nuevo estilo de teatro, con características muy peculiares, una de ellas es: hacer ver al publico que la verdadera realidad no es mostrada en obras realistas, haciéndolos que estos se alejen de la realidad.
Es aquí donde los superrealistas franceses, Brecht y Pirandello, platean este movimiento llevándolo a escena.
El nuevo teatro deja fuera el diálogo convencional de las obras realistas, cambiándolo por la reflexión de temas importantes para el ser humano y su cotidianidad. Estos autores rechazaron el ambiente cotidiano de interiores burgueses de las obras realistas, utilizando escenarios insólitos para la época.
Las obras pierden su estructura básica de los tres actos y pasan a ser una sucesión de escenas o una pieza sin interrupciones. Esta propuesta surrealista lo único que buscaba era desorientar al espectador: mostrando un mundo onírico, escritura automática, ilogismo y así como no podía faltar el componente sorpresa. también se busca el despertar del inconsciente, al igual que imperaba la inacción para provocar una catarsis en el espectador, así como era muy importante que el amor apareciera como tema fundamental de argumento.

Teatro Neoclásico

El teatro Moderno también llamado “El teatro del siglo de oro”; conocido así porque en esta época España alcanzó el prestigio internacional y cultural. Es la época clásica de la cultura española que se desarrollo durante el Renacimiento y Barroco, dividiendo la evolución de esta manera: Primera mitad del siglo “Teatro del Renacimiento” y segunda mitad del siglo “Teatro Barroco”.

El teatro neo-clásico es característico porque devuelve la naturalidad con un aspecto histórico, intentando reflejar las cosas como son. Buscaba recuperar la realidad de la vida en movimiento, la figura humana en el espacio y en las 3 dimensiones, y creando espacios ilusionistas.

Durante la evolución dentro de esta época, surge la reglamentación teatral basada en 3 unidades: acción, espacio y tiempo, tomándolo de la Poética de Aristóteles, teoría introducida por Lodovico Castelvetro.

Las obras se representaban en plazas, carretas decoradas, iglesias, colegios y por primera vez en espacios establecidos propiamente para estas puestas actorales. La escenografía cada vez se volvía más compleja, tomando todo lo característico del Barroco.

El teatro Moderno tuvo pocas variaciones respecto al desarrollado a lo largo del siglo XVIII, su principal característica fue la inspiración en modelos clásicos Grecorromanos. Se desarrollo sobre cualquier otra cosa la Tragedia, basada en la ineluctabilidad del destino, con un tono meramente clásico. En el siglo XVIII el teatro siguió modelos anteriores, contando como principal innovación la reforma que efectuó Carlo Goldoni de la comedia, que abandono la vulgaridad y se inspiró en costumbres y personajes de la vida real. También se desarrolló el drama, situado entre la tragedia y la comedia.

Sus principales exponentes durante la primera mitad del teatro Renacentista fueron: Bartolomé Torres Naharo y Gil Vicente; durante la segunda mitad Lope de Vega con sus asuntos históricos y novelísticos, y Miguel de Cervantes que escribió “El Quijote”, obra que lo hizo alcanzar la fama. En el teatro Barroco destacó Félix Lope de Vega y Pedro Calderón de la Barca.

El teatro de la Edad Media

Durante la edad Media surgieron y desaparecieron muchas cosas, una de ellas fue el Teatro. La iglesia  durante esta época tomó el control, aniquilando todo aquello que fuera una ofensa para Dios. La corte de intelectuales creó una nueva cultura en la cual, el teatro no entraba. Con el paso de los años el telón volvió a abrir, tirando de las cuerdas para correrlo estaba la Iglesia, su enemiga desde hace tanto tiempo.

Los monasterios hicieron posible el resurgimiento del teatro, tomando como base la tradición griega. Restauraron la gran tragedia griega, dándole un sentido por completo cristiano. La Biblia tenía que darse a conocer y que mejor manera que difundiéndola por medio de la representación, manera fácil de entenderla, puesto que la mayor parte de la población era analfabeta. Puede ser que las primeras representaciones teatrales hayan sido los Tropos, una tanda de preguntas y respuestas entre el sacerdote y los fieles durante las fiestas patronales.

A falta de espacio dentro de las iglesias, se vieron obligados a cambiar de locación, ya que la audiencia aumentaba cada vez mas; primero se movieron a los pórticos y después a las plazas respectivas de las iglesias.

Las puestas en escena cada vez eran más elaboradas pero un tanto raras para el público; el área de la representación estaba bastante levantada, separada del público por una barrera. El decorado presentaba todos los lugares donde la acción debía irse desarrollando, estos lugares tenían el nombre de Sede o Mansión y cada uno poseía su propio Telón. Unas telas de fondo cerraban el horizonte del teatro.

Orígenes del teatro Griego y Romano

El arte dramático nació en Grecia. El teatro en Grecia fue una evolución de antiguos rituales religiosos, del rito paso al mito y a través de la mímesis, se añadió la palabra, surgiendo la tragedia. El público pasó de participar en el rito a ser un observador de la tragedia, la cual tenía componentes educativos como la transmisión de valores, a la vez que la purgación de sentimientos (mejor conocido por catarsis). Después surgió la comedia, con un primer componente de sátira,  la crítica política y social, desarrollando después temas costumbristas y personajes arquetípicos. Apareció la mímica y la farsa. Los principales dramaturgos griegos fueron: Esquilo, Sófocles y Euripides en la tragedia, y en la comedia destacaron Aristófanes y Menandro.

El teatro romano recibió la influencia del griego, aunque originalmente derivó de antiguos espectáculos etruscos, que mezclaban el arte escénico con la música y la danza: tenemos así los LUDIONES, que eran actores que bailaban al ritmo de los TIBIAE (especie de aulos), mas tarde al añadirse la música vocal, surgieron los HISTRIONES (significa, bailarines en etrusco) estos mezclaban canto y mimo. Al parecer, fue Livio Andrónico- de origen griego- quien en el siglo III a.C. introdujo en estos espectáculos la narración de una historia. El ocio romano se dividía entre Ludi circenses (circo) y Ludi scaenici (teatro), predominando en este ultimo el mimo, la danza y el canto.  Autores destacados Plauto y Terencio.

"Del rito al Mito"

El teatro tiene sus orígenes en los antiguos ritos de origen prehistórico, donde el ser humano empezó a ser consciente de lo importante que es la comunicación para la interacción con las demás personas. Algunas ceremonias religiosas tenían desde su pasado componentes de escenificación teatral.

 En los rituales utilizados para la caza, el hombre primitivo imitaba a los animales para atraerlos y así poder convertirlos en su alimento, así es como paso “Del rito al mito” y del brujo al actor. En áfrica, los ritos religiosos mezclaban el movimiento y la comunicación gestual con la música (percusiones) y la danza, utilizando objetos que les daban identidad como lo son las máscaras, que servían para expresar roles o estados de ánimo. Estos ritos reforzaban su identidad y cohesión social.

Teatro de Calle.

En todas las culturas el teatro tiene sus orígenes en el ritual. Las distintas comunidades en sus reuniones sociales solían relatar sus vidas a través de danzas e interpretaciones teatrales. Puesto a que no tenían un espacio dedicado a estas representaciones, se le puede considerar como "Teatro de calle" desde un inicio.
El teatro nace del ritual, luego surgieron los dramas y comedias; después el desarrollo de muchas ramas del teatro, una de ellas es el teatro callejero. El teatro de Calle en sí tiene sus orígenes en espacios comunitarios, en su mayoría en lugares al aire libre.
Hemos de entender que para que un arte callejero sea considerado como una obra de teatro, este debe cumplir una función más allá del mero entretenimiento o distracción. El intérprete de la calle en su lenguaje escénico busca transmitir algo más que solo entretenimiento o fantasía. En la actualidad el teatro de calle en sus avances renovadores e innovadores, usa espacios no convencionales, incluso más allá de la misma calle.
Para que sea considerado "Teatro Callejero" este tiene que tener una propuesta de contenido, puesta en escena, actuación y manejo de escena con un público de calle. Es importante que el actor tenga una preparación considerable, como tener buena dicción, una voz potente, expresión corporal, improvisación, actuación e interpretación de experiencia.

Bienvenidos!

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